La nueva élite tecnológica sustituye el mecenazgo artístico por la extracción de valor

El mecenazgo artístico, tal y como lo entendieron los Médici en el Renacimiento, ha muerto. En su lugar, la nueva élite tecnológica ha convertido la cultura en una fuente de extracción de valor y ha dejado a los artistas contemporáneos en una situación de precariedad permanente, sostenidos por becas escasas, trabajos inestables y campañas de micromecenazgo. La pregunta sobre quién sostiene hoy a los creadores recorre el debate del arte contemporáneo, y las respuestas no resultan halagüeñas.

El caso del multimillonario Elon Musk sirve de ejemplo. En 2020, el fundador de SpaceX encargó al artista de street art Tristan Eaton una serie de obras «indestructibles» para viajar a la Estación Espacial Internacional a bordo de la nave Crew Dragon. Las placas de oro, latón y aluminio, grabadas con los dibujos de Eaton, recibieron el título de «Human Kind». «Cuando SpaceX me pidió que creara una obra de arte para acompañar a estos astronautas en el espacio, quise hacer algo inspirador», explicó entonces el artista. Sin embargo, la relación del hombre más rico del planeta con el arte es ambigua: ha declarado públicamente su admiración por el ceramista Tom Edwards, pero no dudó en apropiarse de su «unicornio flatulento» como icono del sistema operativo de Tesla sin pagarle un dólar por ello.

La figura del mecenas clásico remite a finales del siglo XV, cuando Lorenzo de Médici adquirió unos terrenos en Florencia y mandó construir, junto a su jardín de esculturas clásicas, el edificio que acogería la primera academia de bellas artes de Europa. «El Magnífico» tejió a su alrededor una constelación de talento sin precedentes: bajo su protección trabajaron Botticelli, Ghirlandaio, Verrocchio, Pollaiuolo y un joven Miguel Ángel, a quien acogió en su palacio y trató, según el historiador Giorgio Vasari, no como a un sirviente sino con familiaridad y cercanía. En su mesa se sentaban también el filósofo Pico della Mirandola, el humanista Leon Battista Alberti y el poeta Angelo Poliziano, a quien convirtió en su secretario personal.

Lorenzo financió la traducción al latín de la obra completa de Platón, impulsó antologías poéticas en lengua toscana y abrió su colección de antigüedades a los artistas que quisieran estudiarla. Cuando Leonardo da Vinci fue denunciado por homosexualidad en 1476, fue Lorenzo quien intervino para que los jueces rechazaran los cargos. La relación con sus protegidos iba más allá de un contrato y se sostenía en la convicción de que el talento ajeno merecía ser protegido y puesto en condiciones de existir. Los Médici financiaban la cultura porque entendían que era la forma más duradera de dejar huella en el mundo.

Hoy, el hombre más rico del planeta considera que llevar cohetes a Marte es su aportación a la humanidad; el arte y el pensamiento humanista no aparecen en ese esquema. La desigualdad económica supera con creces a la del Renacimiento, pero los valores que la acompañan son otros. Donde los Médici veían en la cultura un legado que, aunque privado, beneficiaría a largo plazo a todo el pueblo, la nueva élite ve en la tecnología una solución. Algunos de sus miembros más influyentes, como Sam Altman, ni siquiera confían ya en el artista humano y apuestan por la inteligencia artificial como herramienta de creación y control cultural, presentándola como una «democratización» del arte.

El mercado del arte mueve decenas de miles de millones de dólares al año. Según el informe anual de Art Basel y UBS, las ventas globales alcanzaron los 59.600 millones de dólares, unos 51.800 millones de euros, en 2025. A pesar de esas cifras, muchos artistas sobreviven entre becas escasas, trabajos precarios y campañas de crowdfunding. El dinero está, pero falta algo más: el peso del arte parece reducirse al del mero mercado, sin la capacidad simbólica que sostenía la creación en otras épocas.

Para entender la ruptura hay que retroceder no al Renacimiento, sino al siglo XIX. «Durante cientos de años, los grandes clientes del arte habían sido la Iglesia, la Corte y la nobleza, y el artista trabajaba por encargo», explica José Luis Guijarro Alonso, director del Máster en Mercado del Arte de la Universidad Nebrija. «Con la modernidad y el auge del mercado burgués, muchos artistas empiezan a producir por su cuenta y a depender menos de un mecenas concreto y más del mercado, las galerías o el público. Ahí cambia por completo la relación entre riqueza y creación artística».

Ese cambio no fue solo económico, sino también cultural: el artista ganó autonomía, pero perdió seguridad. El mecenas desapareció y en su lugar apareció el coleccionista, una figura muy distinta. El primero construía una relación con el artista y sostenía su práctica en el tiempo; el segundo compraba obras ya terminadas en función del gusto o, cada vez más, de la expectativa de revalorización. Algo así ocurre cada vez con más frecuencia con megamillonarios como Elon Musk, Bill Gates o Jeff Bezos: pese a su enorme fortuna, utilizan su dinero como una forma de reinversión en sus propios proyectos empresariales. «La diferencia no es tanto la ausencia de mecenazgo como el tipo de cultura que hoy se financia», matiza Guijarro. «Muchas veces el apoyo se dirige más a la innovación, la ciencia o la construcción de marca que al mecenazgo artístico tradicional».

Lo que antes era un encargo personal, como el de Lorenzo de Médici protegiendo a Miguel Ángel, se ha transformado en una operación estratégica de marca o en una inversión financiera. La cultura, en ese nuevo esquema, queda reducida a un activo más dentro del balance de las grandes fortunas tecnológicas. La pregunta de quién sostiene a los artistas sigue abierta, y mientras tanto, los creadores continúan buscando apoyos en un sistema que valora más el rendimiento que la obra.